Vincent Willem van Gogh: La Moisson (La cosecha).

La cosecha fue realizada en el año de 1888. 

Originalmente van Gogh nombró la obra: La Moisson, que significa La Cosecha.

En Arlés van Gogh también se encontró con el paisaje natural en su estado más puro, durante algún tiempo el artista observó los campos de trigo y surgieron alrededor de dieciséis obras con este mismo motivo.

Se trata de una imagen que ha captado a la perfección las distintas tonalidades del campo en función de la carga de su cosecha, en la que se aprecia el calor de la Provenza.

La iluminación que logra caracterizar a esta obra es gracias a que decide utilizar colores como amarillo, verde, azul, naranja y un par de tonos dorados, logrando que todos estos contrasten. 

"La intensidad de la luz dificultaba la pintura de la vasta planicie."

- Vincent van Gogh.

La composición está formada por pinceladas en todas direcciones para plasmar las figuras, las cuales se sobreponen a un cielo liso en color y textura.

Quería transmitir la esencia de la vida rural por lo que no le bastaba con representar el paisaje solamente.

Conforme a la casa de la parte superior derecha, también se puede captar cómo la iluminación se da por sí sola y de esta manera hace lucir su blanca fachada.

La Cosecha.

Podemos recordar que en Flor de Almendro hizo lucir el estampado japonés y en La Cosecha, esta vez, también se nota la influencia de este arte que tanto admiraba van Gogh.

A lo largo de toda su carrera, Vincent dibujó este tipo de pinturas campesinas, ya que consideraba que el trabajo del campo era duro y poco recompensado, lo que para él tenía un significado simbólico, porque equivalía a la labor espiritual del hombre en la Tierra.

Vincent Willem van Gogh: El viñedo rojo en Arlés.

El viedo rojo cerca de Arlés es e único cuadro que vendió Vincent van Gogh aun en vida.

Fue comprado por Anna Boch, la hermana del pintor belga Eugene Boch, cual retrato Vincent había pintado antes.

La obra se expuso en Bruselas en el mes de Enero de 1890, cual la obra y Vincent estaban en Arlés y eran admirados por numerosos jóvenes pintores.

Esta pintura presenta un momento de vendimia en un atardecer de otoño donde se captan tonos rojizos del viñedo. Vincent ha sabido captar con la originalidad que le caracteriza, una escena de la vida cotidiana de la Provenza.

Hay una pincelada que se distingue claramente en el lienzo y que hace que este sea un tanto más original y que se centra alrededor del sol donde se miran también tonos blancos. Por otro lado, las siluetas de los vendedores los resalta con una línea más oscura. 

El interés aquí de van Gogh estaba en poder captar un poco más la luz, lo que hace que nos muestre los reflejos de la luz del sol en el camino de la y los tonos de las sombras del horizonte.

Van Gogh utilizó colores cálidos como lo son el rojo y el amarillo y un par de pinceladas de azul también.

La idea de Vincent era dejar que la imagen representara a las mujeres que trabajan en un viñedo y, donde agotadas de trabajo, recogen uvas que crearán el vino.

La colocación de cada parte y la escena representada es de lo más realista, por lo que, junto con el efecto surrealista de la luz, el espectador logra tener viión muy disonante.

Viñedo Rojo en Arlés.

La depresión de Vincent ya era de tratamiento clínico y luego de quitarse la oreja izquierda le fue internado nuevamente en un hospital psiquiátrico.

¿Qué sería la vida si no tuviéramos el valor de intentar cosas nuevas?

Vincent van Gogh

Vincent Willem van Gogh: El café de noche.

La obra Café de Noche fue pintada en Septiembre de 1888 en Arlés.

« Hoy probablemente intentaré el interior del café donde tengo una habitación, por la tarde, bajo las luces de gas. Aquí, le llaman un café de Noche y están abiertos toda la noche.

Los vagabundos nocturnos pueden encontrar refugio, si no tienen dinero para alojamiento o si van demasiado ebrios.

« ...Acabo de terminar un lienzo representando un interior de un café por la noche, iluminado por lámparas. Unos pobres vagabundos de la noche duermen en una esquina. La sala está pintada de rojo, y allí dentro, bajo el gas, el billar verde proyecta una inmensa sobra en el suelo. En este lienzo hay 6 o 7 rojos diferentes, desde el rojo sangre hasta el rosa tierno, haciendo oposición a tanto verde.

A principios de Septiembre Vincent trabaa tres noches consecutivas en la realización de esta pintura, durmiendo de día solamente y es así como surge Café de Noche, que representa el café de la estación de Arlés.

La escena, a como indica el título de la obra, transcurre por la noche precisamente a las doce y cuarto, según el relo del fondo de la sala. En este gran salón de techo alto, característico de los cafés provenzales del siglo XIX, iluminados por las lámparas de gas, se representa en el centro un billar francés y, todo alrededor, en estructura circular, las mesas y las sillas. Bajo la mirada del camarero, bien entrada la noche, una pareja y unos pocos clientes medio dormidos en su soledad.

Esta obra ilustra las investigaciones cromáticas del pintor en el uso de colores complementarios, en este caso el rojo y el verde, como lo mencionó en la carta a su hermano Theo.

La tecnica de Vincent fue incluso más visible en esta obra ya que observando bien la pintura de cerca (los que pueden visitarla, en la Universidad de Yale) observan las tan marcadas pinceladas.

Café de Noche.

Café de Noche fue una de las últimas obras que realizó van Gogh antes de ingresar al hospital psiquiátrico, esto aclarando que luego de entrar siguió pintando.

Se dice que además de su baja autoestima, otra de las causas que le hicieron ingresar ahí fue el alcoholismo.

Estp y que fumaba siempre hicieron adición y era la manera en la que él se refugiaba ya que la sociedad no aceptaba su estilo de vida, por lo que busca, una vez más, plasmar su vida solitaria para encontrar una de sus noches un café nocturno donde empieza a pensar en el suicidio.

Vincent Willem van Gogh: El Dormitorio en Arlés.

Representando el dormitorio de Vincent, la obra El dormitorio en Arlés es la adecuada y la elegida para hacerlo; van Gogh la pintó durante su estancia en la ciudad de Arlés, ubicada al sur de Francia.

En ella quiere representar y expresar la tranquilidad que él sentía que había en su habitación.

Él cuenta que cuando la pintó tenía un par de días sin haber salido de casa ya que había mucho viento fuera de ahí y porque se sentía un tanto cansado.

La manera en la que lo cuenta es a través de una carta que le hace a su hermano Theo, otra de tantas, donde también le explica cómo es que el cuadro está pintado y también para ayudarle a darse una idea le hace una réplica casi idéntica pero sin colores incluidos. Sin embargo, la manera en la que le ayuda a echar a volar la imaginación conforme a los colores que puso en la pintura se los describió ahí mismo en la carta, diciendo que los muros eran de un lila pálido, el suelo de un rojo gastado y apagado, las sillas que tenía y la cama eran un color cromo, las almohadas y sábanas de un verde limón, la manta de un rojo y la mesa casi combinando con la manta era de un color naranja, y algo muy notable, la ventana que también tenía un tono verde pero un poco más oscuro donde quiso reflejar, más que nada, un reposo claro.

Carta realizada por Vincent a su hermano Theo, Octubre 1888.

Réplica de la obra El Dormitorio en Arlés conjunta a la carta.

La obra tiene un toque de sencillez gracias a las líneas marcadas tan rectamente y por los colores combinados que hacían lucir un cierto toque de inestabilidad.

De esta pintura existen tres versiones que pintó Vincent, a cada una le agregó detalles diferentes, como ejemplo se pueden observar las primeras dos versiones donde pinta la cara del poeta Eugène Boch y también la del soldado Paul- Eugène Milliet pero es aún más notorio que en su última versión decide poner su autorretrato y la pintura de su hermana Willemien a un lado de este en el lugar de los anteriores cuadros.

El tamaño de estas obras también fue variada, conforme avanzaba con cada versión el tamaño de estas disminuía.

Primer versión de El Dormitorio en Arlés.

Segunda versión de El Dormitorio en Arlés.

Tercera versión de El Dormitorio en Arlés.

Antes de pintar esa obra van Gogh nunca tuvo un lugar propio para vivir hasta después de hacerlo donde ya estaba presumiendo que lo tenía, que se había establecido permanentemente en ese lugar y esa era su primer habitación propia.

Vincent Willem van Gogh: Trigal con Cuervos.

Volviendo a los colores más comunes que utilizaba van Gogh, esta vez está la pintura de los campos de trigo con cuervos; se dice que para él era una de sus cosas favoritas que le gustaba pintar y que esta tuvo un sentimiento especial plasmado, ya que la pintó pocas semanas antes de suicidarse.

La obra tiene sentimientos dramáticos y es muy especial por los trazos tan firmes, su cielo que es más oscuro que en cualquier otra pintura pero que también es algo importante ya que para él los cielos nocturnos siempre le fascinaron, esto queda perfecto con los cuervos y los colores amarillos, lo que da lugar a diversas interpretaciones sobre sus sentimientos y los porqué’s de muchas cosas más.

A simple vista los cuervos vuelan sobre el trigal, estos están de un color negro que les hace resaltar a su manera en la obra.

Muchos asociaron a los cuervos como un símbolo de muerte pero para van Gogh solo significaba la libertad que estas aves tenían y lo mucho que le gustaban.

Por una parte los caminos comienzan en diferentes direcciones pero llegan a un solo punto en su final y por otra parte se puede interpretar que él siempre mejoraba por lo que tenía diferentes direcciones por las cuales comenzar a salir adelante pero al final volvía a tener sus recaídas lo que le devolvía a un solo estado de ánimo.

Como en todas sus pinturas, van Gogh plasma sentimientos en esta y solo se puede saber que aunque estaba en un estado de depresión, también se encontraba alegre.

Trigal con cuervos.

“Se trata de trigales sin fin bajo el cielo nublado, y no he dudado en el intento de expresar la tristeza y la más profunda soledad.”

“Por favor, denme la libertar de ser un pájaro como los otros pájaros.”

-      Vincent van Gogh, 1880.

Vincent Willem van Gogh: Campo de trigo con cipreses.

Asi como los girasoles, los cipreses le gustaban también mucho a Vincent y quería plasmarlos de la misma manera en una obra como todos los girasoles que pintó ya que le parecía que las personas ignoraban realmente algo importante y que de alguna manera si él los plasmaba iba a interferir en la ignoracia hacia estos.

Como ya se sabe, van Gogh sufrió una recaída por lo que tuvo que ingresar nuevamente a un sanatorio donde a partir de ese momento todas sus esperanzas que tenía sobre su futuro se vieron envueltas en una energía negativa y luego de un mes de haber ingresado decidió que pintaría unos cipreses.

Desde su ventana podía siempre ver diversos paisajes y los cipreses no fueron la excepción ya que también fue el medio por el cual él tomó inspiración para pintarlos.

Sin embargo, se notan algunos sentimientos plasmados en la pintura, ya no son exactamente iguales los cipreses sino que son un poco más astractos.

Campo de trigo con cipreses.

En la pintura se pueden observan unas pinceladas con ondulamiento único tal cual era cada pincelada que van Gogh hacía, los colores mas llamativos acá son el amarillo en las espigas, el verde en las superficies y montañas azules asi como también el cielo y nubes del mismo color.

En la época en la que él estuvo en el sanatorio realizó como mínimas unas 150 obras.

Su postura frente a todo lo que muestra en sus cuadros es la de una persona que ama y acepta la realidad tal cual es.

Vincent Willem van Gogh: La sieste (la siesta).

Tras un año de haber pasado por la felicidad gracias a la llegada de su sobrino, van Gogh tuvo otro desafortunado momento difícil.

Pasó por una temporada de invierno donde gracias a esto no tenía mucha inspiración, sin embargo, quería seguir pintando así que decidió inspirarse en pinturas de otros artistas a los que admiraba.

Después de un tiempo pensó en enviarle el resultado de la obra a su hermano para que él hiciera lo que quisiera con ella.

La pintura está inspirada en una originaria de Millet, pero fue más conocida la de van Gogh, esto porque aunque tomó la idea de alguien más, siguió dándole su toque personal y especial con su técnica, las mismas pinceladas y también con colores elegidos por él como lo son el violeta, el azul, el amarillo y el naranja.

Obra de Millet en la que Vincent se basó para crear una original.

Otra perspectiva de la obra original de Millet.

Muchas personas dijeron qque era una copia pero para él era como tener otra apreciación de una idea.

Van Gogh se adueña de los detalles de la naturaleza muerta en la pintura para así simbolizar una escena de reposo donde mediante una siesta se puede ver una pareja acostada sobre paja mientras la luz del día va siendo cada vez más oscura en el fondo de la obra.

La siesta.

Gracias a la técnica de pinceladas que van Gogh tenía, uno puede darse cuenta del estado de ánimo que manejaba al estar pintando y en esta ocasión se temía por una recaída, lo que le impediría seguir pintando y lo que era más temido por él ya que quería seguir pintando.

Vincent Willem van Gogh: Camino con ciprés bajo cielo estrellado.

Vincent tras otro ataque hacia su salud, le escribe a Theo, diciéndole que tal vez su carta no se pueda comprender del todo pero que quiere volver a pintar.

Esta obra es uno de los tres últimos paisajes que van Gogh pintó en La Provenza y por lo plasmado en esta obra da para pensar que Vincent quería olvidarse de una etapa pasada para poder entrar a una nueva.

Van Gogh en realidad nunca quería marcharse de la Provenza, porque sabía que ahí había realizado lo mejor de su obra y dejado buenas amistades, pero también sabía que tenía que marcharse para recuperarse en salud, lo que le provocó tener sentimientos encontrados.

La obra, considerada por van Gogh como romántica, representa la travesía en que se encontraba su vida.

Dice que las cañas son amarillas por el predominio del color ocre tostado; que tiene una vieja posada con las ventanas encendidas en un tono naranja y un ciprés alto, recto y oscuro. En el camino se puede visualizar un carro amarillo tirado por un caballo blanco y dos caminantes, algo que le parecía muy romántico pero también muy típico de la Provenza.

La obra es un recuerdo del paisaje que tanto había pintado, que tanto  rememoraba sobre los buenos momentos vividos en el sur.

Las pinceladas afacetadas organizan toda la composición, poniéndose de manifiesto el lenguaje personal de Vincent tanto en el color como en su ejecución y táctica de cada pintura.

Camino con ciprés bajo cielo estrellado.

Refleja además la noche, otro de los temas que le atraía.

El cuadro fue realizado cuando el artista comenzaba a controlar su mente pero aún se encontraba perturbado.

Se destaca también que el artista confundió una fase lunar normal con un eclipse el cual pensó que había plasmado en su pintura.

Vincent Willem van Gogh: Flor de Almendro.

Las flores blancas tienen algunas luces color rosado, y el verde y gris de las ramas van a conjunto con el color del cielo azul y celeste.

La vista de van Gogh al crear la pintura es de abajo hacia arriba y por el tamaño de esta se puede llegar a la conclusión de que pensó que sería buena idea ponerla en la habitación del niño justo donde estaría la cabecera de su cama y, al mismo tiempo se podría pensar que subiría a un árbol, pero a decisión de la familia de Vincent, fue colocado sobre el piano de la casa de su hermano para que así quien se sentara al piano pudiera ver el cuadro desde una buena posición.

La pintura tiene toques de ideas de pinturas japonesas y en esta se plasma en gran parte toda la sensibilidad de van Gogh con la naturaleza.

A pesar de la falta de perspectiva, fijándose con atención puede apreciarse el volumen del árbol, el hueco que dejan las ramas entre sí.

Fue elaborada con pinceladas planas de distintas anchuras y direcciones, la obra está hecha con mucho cuidado y detalle; algunas cosas que destacan son los botones florales en distinto grado de evolución.

El cuadro es como un recuerdo dentro de una fotografía familiar ya que para Vincent la pintura significó todo lo que importó para él el nacimiento de su sobrino, le impactó tanto la noticia que fue su fuente de inspiración y puso en ella gran parte de su amor y sus sentimientos.

Representó alegría y con esto vivió un momento feliz después de haber pasado por varias situaciones difíciles así como también fue algo que le hizo crecer profesionalmente.

Flor de Almendro.

En esta pintura van Gogh expresa toda su experiencia y sus conocimientos: tiene detalles precisos, un naturalismo increíble y el toque del aire libre, así como también el simbolismo de su imaginación creativa.

Vincent Willem van Gogh: Los Girasoles.

Vincent empezó a pintar Los Girasoles a finales del verano de 1888 y esta vez su inspiración para sus pinturas fue el sol mediterráneo y el color de su casa en Arlés, que tenía colores amarillos y el propósito que tenía con estos cuadros era darle una decoración personal a su casa por lo que dejó que la misma naturaleza estuviera presente a través de estas obras y al mismo tiempo estaría utilizando su color favorito.

Para van Gogh el amarillo tenía un especial simbolismo, era el color que representaba su mundo interior, por esto mismo pintó su casa de este color donde por primera vez tenía algo propio, un espacio personal.

Las pinturas plasman a los girasoles en varias etapas de su vida, desde que es una flor nueva hasta que termina marchitándose. Él empleó en una gama cromática colores naranjas, ocres, marrones y beiges.

El color está aplicado con pinceladas fuertes y solo unos toques salteados, haciendo destacar la plasticidad de la pintura para así crear un fino relieve en la tela y terminar por dar un volumen a los girasoles. Para poder resaltar el color amarillo y hacerlo luminoso utilizó verde y azul claro en cada contorno.

En esa etapa de su vida el color fue cobrando vida en cada una de sus obras y así mismo también una autonomía propia, por lo tanto se puede decir que, el color era el medio de expresión que utilizó siempre.

En la serie de obras de girasoles, destacó la fuerza cromática por encima de la descripción real, ya que las flores vinieron de la total imaginación de van Gogh, y la fuerza expresiva de su temperamento artístico.

El cambio climático y su impacto.

En otro tiempo, en lugares que hoy están destruidos o modificados existía un gran espacio de vida.

El agua está presente en los lagos, los mares, los océanos, los glaciares, etc, y en algunas partes está presente pero hecha hielo, lo que hoy en día estamos presenciando es un derretimiento extremo en los polos que lleva de un desastre pequeño a muchos más grandes.

El aire y el agua, siempre están presentes para nosotros ya que ocupamos de ellos para sobrevivir, pero ¿le estamos dando el cuidado necesario para que puedan seguir siendo ambas partes lo que nos ayude a sobrevivir? Por supuesto que no. Necesitamos aplicar un equilibrio entre cada acción y razonar antes de actuar y destruir más de lo que ya se ha destruido.

Los suelos son otra parte importante que, tanto como los demás elementos que conforman a la tierra, están notablemente afectados. Los desastres naturales se van presentando cada vez más frecuentes y cada vez más destructivos y todo a causa de los daños que entre todos hemos causado.

Cuando el hombre se presenta como otro ser vivo en la tierra comienza a descubrir y se dedica a hacerlo cada día y no significa que hoy no se haga lo mismo, lo que en realidad pasa en la actualidad es que la información que cada uno tiene no la aplica de una manera constructiva y esto lleva a que con el paso del tiempo comiencen las consecuencias.

Es increíble cómo se puede ver el cambio en los suelos, cómo se puede notar el cambio en el clima, que en fechas donde tiene que haber temperaturas bajas no sea regular y se retrase semanas para poder llegar la época y así lo mismo con las temperaturas altas.

Gracias a esto mismo de las temperaturas se puede notar que el nivel del mar es más alto y abarca territorio que no está contemplado que lo haga, si esto se da en pocos años, no se tiene realmente una idea de cómo van a cambiar las cosas en un futuro para todos.

Consecuencias del cambio climático.

Uno como persona decide si ayuda a que el planeta sobreviva a tanto daño causado y cómo hacerlo, pero también decide si se va por el lado de la ignorancia y deja pasar sin remediar.

Vincent Willem van Gogh: Puesta de sol en Montmajour.

La ilustracion titulada Puesta de sol en Montmajour es otra de las tantas obras de van Gogh y en esta se puede observar a simple vista un atardecer con vista de unos arbustos al mismo tiempo que le dan el toque cálido a la imagen.

La pintura fue motivo por el que se realizó una extensa investigación en el museo de van gogh con una duración de dos años para poder valorarla como legítima, para esto se examinó detalladamente el estilo, los materiales utilizados y la técnica, y así se descubrió que se había pintado en la misma gama de pinturas que aparecen en las otras obras.

También como evidencia se tuvo una carta de Vincent van Gogh para su hermano Theo, donde está describiendo la pintura. Tuvo como fecha de realización el 5 de julio 1888.

Se hizo una presentación publica de la pintura de van gogh en el museo de van Gogh localizado en Amsterdam y lo que la hace destacar ahí son sus grandes dimensiones.

La inspiración de van Gogh para esta pintura fue el paisaje de la garriga con las ruinas de la Abadía de Montmajour en el horizonte, y lo hizo durante su permanencia en Arlés, donde estuvo viviendo un tiempo.

Se puede decir que es llamativa porque resultó ser la última obra de van Gogh que fue descubierta y por ello pertenece a una colección privada.

Esta pintura estuvo presente en la colección de las obras del hermano de Vincent, Theo van Gogh, quien vendió la obra a Christian Nicolai Mustad, un empresario noruego que almacenó la pintura en su ático hasta el día de su muerte, ya que creía que no era original por no tener una firma, pero luego de esto la mostraron como obra de van Gogh en el museo.

Puesta de sol en Montmajour.

El director del museo declaró que la pintura ha sido un total descubrimiento ya que resulta extraño que exista una pintura de van Gogh que no estuviera a la vista junto con las demás.


"Van Gogh  tenía grandes ambiciones con esta pintura, con la que quería mostrarse como un poeta entre los pintores de paisaes, pero se decepcionó porque sentía que no había conseguido resolver convincentemente algunos problemas."

- Axel Ruger. Director del Museo de van Gogh de Amsterdam.

Vincent Willem van Gogh: La noche estrellada.

La noche estrellada es una de las imágenes más conocidas en la cultura moderna y hoy en día es una pintura muy deseada por todos.

La obra fue pintada y terminada a mitad del año de 1889, y los materiales que usó fueron óleo humedecido y pinceles finos.

La noche estrellada fue resultado de una noche donde Vincent van Gogh se encontraba mirando por la ventana del sanatorio Saint Paul de Mausole, ya que estaba internado por haber sufrido un colapso mental y decidió utilizar la vista que tenía, como inspiración, sin embargo, no sólo fue eso, sino que utilizó de inspiración otros paisajes que tenía guardados en mente.

Esta obra ha sido motivo de discusión y ha causado gran polémica ya que muy pocos saben el verdadero mensaje.

La noche estrellada.

"La noche estrellada no es la obra más reconocida de van Gogh sólo por la manera en que atrapa el ojo, sino porque con verla es posible conocer al artista y mirar cómo es posible externar pensamientos y dolores por medio de la creación. No usó simbolismo, sino su visión propia, atormentada y obsesiva para regalar al mundo la vista que durante meses poseyó. Una que analizó durante un largo tiempo hasta que la perfeccionó."

                                                                -A Martinez. (Cultura Colectiva)

Después de haber sido reconocida mundialmente y llevar este nombre, se da a conocer que van Gogh realizó otra obra llamada de manera similar, La noche estrellada sobre el Ródano, pintura de la cual estuvo muy orgulloso de haber concluido tan solo unos meses antes.

La noche estrellada sobre el Ródano.

Además de plasmar otro cielo nocturno, en esta obra también se puede observar a una parea caminando y a pesar e que muchos críticos no fueron constructivos en la pintura puede apreciarse el admirable ambiente que logra plasmar y es lo que convierte a esta obra en otra de las más solicitadas.

Particularidad en la Pintura.

A lo largo de todos los tiempos la pintura ha estado presente, de una u otra manera el ser humano siempre busca la manera de expresar sus sentimientos y todos sabemos que hay demasiadas maneras de hacerlo, una de ellas es por medio de la pintura.

El pintor plasma sentimientos a través de la pintura, sin embargo, no es algo que pueda explicarse, pues muchas personas pueden observar la misma obra y dar conceptos diferentes de lo que cada uno siente conforme al mensaje reflejado, y eso es lo interesante de la pintura en general.

Cada persona tiene un mundo de ideas, todos podemos llegar a imaginar, a soñar en grande y para un pintor esto es algo esencial, es ir más allá de todo y lograr un éxito grandioso.